Музыкальное образование от Conn-Selmer: Размышления о выразительности звучания ансамбля

Доктор Дэвид Роминес

Университет Меривуд

(Скрэнтон, штат Пенсильвания, США)

Дирижер

Сопредседатель кафедры

Образовательный клиницист Conn-Selmer

Ценной для преподавателя / дирижера есть обоснованная точка зрения на то, как должна звучать музыка. Сложившаяся на предыдущем опыте и тщательном исследовании мнение открывает новые средства для подготовки эффективных и содержательных репутацией, которые не только подчеркивают необходимость уделения внимания технической стороне исполнения, но и помогают открыть неожиданные учебные пути, позволяющие эффективно решить вопрос выразительности. К тому же, и преподавателю, и ансамблю принесет гораздо больше удовольствия работать в условиях, когда педагог на все 100% владеет материалом.

Каждый дирижер сталкивался с такой ужасной ситуацией, когда приходится стоять перед коллективом, у которого почти нет времени на подготовку. Это очень стрессово для всех участников репетиции, и часто такие занятия являются полной тратой времени. Лучший план - сохранить сосредоточенность сердца и ума в музыке, пока не созреет большой замысел - интерпретация!

Текст и символы на нотном листе предоставляют неполную информацию. Среди нее, указания, касающиеся динамики, являются наихудшими. Часто всему ансамблю назначается одинаковое обозначение громкости выполнения без учета мелодии, тесситури или такта. Опытные преподаватели знают, что, когда дело касается громкости, каждая секция инструментов должна обладать гибкостью, поскольку ее уровнь может меняться в каждом такте. Такой тип гибкости также следует применять в отношении всех компонентов музыкального исполнения, включая артикуляцию, нотный интервал и баланс. Как уже было сказано - нотный лист черно-белый, и задачей преподавателя / дирижера является найти там красную линию - возможности для выражения, находящихся в составе композиционных составляющих и методик выполнения.

Мы часто слышим выражение «музыкальный вкус». Музыкальный вкус означает понимание истории, основных законов и структур музыки. Музыкальные исполнители осознают, что музыка не пишется и не выполняется в вакууме, поэтому музыкальные символы означают разные вещи в разных композициях. В качестве простого примера, рассмотрим ритм. Ритм можно грамотно играть многими способами вне математическим определением. Было бы уместным воспроизвести ритм произведения Horkstow Grange Перси Грейнджера таким же образом, как ритмы Марша бельгийских парашютистов Пьера Лимана? На основе многих перечисленных ниже стилистических элементов, большинство музыкантов пришли бы разным выводам (мыслей) о том, как следует стилизовать ритмы.

Есть несколько хороших книг, которые могут служить указателями и задать направление развития музыкального стиля. Одной из первых книг, на которую я ссылался будучи молодым дирижером, была «Выразительность в музыке» Хейла Ашера ВандерКука («Expression in Music» - H. A. VanderCook). Теоретические взгляды, которые продвигает ВандерКук - это способы выполнения музыкальных пассажей в различных контекстах на основе общепризнанных практик. Важно слушать музыку во всех стилях, прислушиваясь к стилю, и изучать музыку с вниманием на то, как она должна выполняться. Со временем и при условии тщательного изучения, опытные преподаватели смогут принимать увереное решение о применении музыкальных стилей.

В процессе изучения партитуры и по мере формирования музыкальных взглядов, важно постоянно оценивать движущую составляющую музыки. Некоторые элементы, влияющие на выразительность, очевидны, тогда как некоторые важные черты не являются столь же явными. Составляющими музыкальной выразительности и стиля являются:

• Лицо композитора (Важно знать обстоятельства, которые привели к написанию композиции, а также - быть в курсе общего стиля и языка гармонии композитора.)
  
• Мелодия (Помните: все, что включено композитором к партитуре, поддерживает основную музыкальную идею - обычно это называется мелодией, но может быть более непосредственно связано с ритмическим или гармоничным планом. Обратите внимание, как разворачивается мелодия по мере динамики различных голосов внутри ансамбля.)
  
• Фразировки (как определяются фразы в составе композиции Какие соображения связаны с внутренней и внешней фразой?)
  
• Контрмелодия - роль (когда эти идеи доминируют над основной мелодией, хотя бы на одну ноту?)
  
• Форма (Важно рассмотреть общий порядок музыкальных событий как связан с формой, и понять - почему композитор выбрал именно такую ​​форму. Когда секции инструментов повторно вступают, меняется видение композитора их? Если да, имеют ли эти различия выразительные последствия, которые влияют на интерпретацию дирижера?)
  
• Динамика (Затяжная / внезапная / предсказуема и непредсказуема.)
  
• Контуры (Направление мелодических элементов и такт часто влияют на неписаную динамику.)
  
• Артикуляции (Зависят от стиля.)
  
• Тишина (Относиться к тишине с уважением и чувством времени является столь же важным, как и то, как мы начинаем звучать.)
  
• Аккордные прогрессии (включая гармоничный ритм.)
  
• Темп (Рассмотрите лучший темп для каждой отдельной ситуации.)
  
• Рубато (Решение о применении тонкостей этой методики часто остается за дирижером - это вопрос времени, рамки которого могут быть с легкостью превышены или оставлены без внимания.)
  
• Гармония (напряжение и высвобождение имеют решающее значение. / Как лучше управлять диссонансом и созвучию.)
  
• Диссонанс (как наилучшим образом справляться со стрессовыми моментами - Как правило, путем умножения давления и высвобождение на ноте / аккорде и быстрого урегулирования.)
  
• Модели (остинато - какова цель и как эти модели вписываются в общую композиционную схему?)
  
• Повторяющиеся ноты (как правило, сопровождают крещендо или диминуэндо.)
  
• Последовательность (Управление последовательными сценами может сделать многое для формирования восторга и приумножение выразительности.)
  
• Ритмические текстуры (Композиционные ритмы и «пуантилистични» ритмы. / Как наилучшим образом отнестись к ритму, чтобы достичь максимальной выразительности?)
  
• Акустические цвета (Меняющееся сочетания.)
  
• Переход от точки А к точке С (Затяжные события часто упускают из виду.)

Каждый серьезный музыкант / педагог когда услышал фразу: «Эта музыка была написана на мелодию!». Саксофонисты знают, что если композитором произведения является Перси Грейнджер, то партия саксофона написана с правильными идиоматическими соображениями и звучит великолепно в сочетании с другими инструментами. Но это не всегда так. Более того, когда мы работаем над созданием выразительных спектаклей, вызовы, будут возникать перед нами, могут сильно отличаться от композиции к композиции. В некоторых произведениях - это постоянная борьба за уравновешивания сопутствующих частей мелодии. Это часто связано с тесситурой, инверсией аккордов и текстурами. Ключевые центры также подрывать баланс и интонацию. Более того, проблематичным может быть сочетание инструментов в различных комбинациях. Это не означает, что эти партии дефектные. Некоторые из подобных случаев случаются в произведениях, которые общепризнанно считаются шедеврами. Однако на них надо обратить внимание. Такие проблемы проверяют способности любого педагога на сцене.

С увеличением числа и глубины отдельных музыкальных переживаний с течением времени, личностные интерпретации той же самой музыки непременно меняться. Об этом в своих трудах писал знаменитый американский дирижер Фредрик Феннелл - и это, безусловно, правда. Опытным преподавателям нужно иметь наготове карандаш с хорошей резинкой, когда они будут пересматривать партитуру с прошлых лет.

Все успешные преподаватели и дирижеры работают лучше, когда чувствуют себя «как рыба в воде» в рабочем процессе. Посвящение времени на формирование собственных обоснованных взглядов относительно упомянутых в этой статье музыкальных аспектов приведет к повышению уверенности педагога и рост производительности репетиций и спектаклей, которые подарят радость вашим ученикам.